On m’a récemment commandé un texte sur les influences de la gravure anglaise sur Gustave Doré. C’est un sujet très vaste, et j’étais initialement parti sur beaucoup de pistes (l’oeuvre de John Martin au premier chef, mais aussi celle de John Flaxman, ou encore les gravures liées à la Shakespeare Gallery de John Boydell…).
Le texte demandé étant de taille limitée, j’ai dû au final me limiter aux rapports entre Doré et Martin, et une partie rédigée sur Gustave Doré et les illustrations pour Dante de John Flaxman a été retranchée. C’est cette partie que je reproduis ici.
Si le souvenir des estampes martiniennes se laisse aisément déceler chez Gustave Doré, notamment dans ses illustrations pour Paradise Lost ou La Sainte Bible où, de plus, le référent narratif est le même, il est plus difficile de repérer ce que doit l’illustrateur français à d’autres œuvres pourtant largement connues et diffusées de l’illustration littéraire anglaise. La distance semble grande, notamment, entre la série d’illustrations au trait réalisée par le sculpteur néoclassique John Flaxman pour La Divine Comédie de Dante, et celle réalisée pour le même texte, gravée en bois de teinte avec force contrastes et nuances de gris par Gustave Doré en 1861 pour L’Enfer, et 1868 pour Le Purgatoire et Le Paradis.
Il est a priori difficile de trouver des compositions plus antithétiques du point de vue stylistique : dessins au trait d’une extrême sobriété chez Flaxman, le plus souvent sans aucune indication de paysage, avec des compositions très souvent en frise et des figures sans modelé qui tendent à annuler toute impression de profondeur, et presque jamais aucune ombre, ni propre ni portée, à quelques rares exceptions près ; dessins d’une très grande profondeur de perspective chez Doré, avec une profusion de jeux d’ombres et de lumières, une grande place accordée au paysage, une large place accordée au modelé des figures, etc. En somme, une interprétation « linéaire » chez Flaxman, et « picturale » chez Doré, pour reprendre les termes canoniques de l’historien de l’art Heinrich Wölfflin.
Pourtant, on peut malgré tout imaginer que Doré ait pu se nourrir des images de Flaxman pour Dante. Déjà à l’époque, quand Émile Montégut faisait dans la Revue des deux mondes le compte rendu de L’Enfer de Doré paru chez Hachette en 1861, c’est la comparaison avec la série de Flaxman qui occupait une large partie de l’argumentaire du critique1 : c’est dire à quel point ce portefeuille de Flaxman faisait référence à l’époque pour la mise en images de Dante. De manière générale, l’œuvre gravé de Flaxman était beaucoup plus connu que son œuvre sculpté sur le Continent, et même si ses séries d’illustrations pour l’Iliade et l’Odyssée d’Homère connurent un succès plus important que les autres, celle pour Dante, gravée par Tommaso Piroli et publiée au départ en 1793 pour un public très restreint, connut par la suite une diffusion beaucoup plus large – une édition pirate française dès 1802, puis une édition anglaise à large diffusion en 1807, chez Longman2. Les illustrations de Flaxman étaient publiées sous forme de portefeuille, sans texte attenant, ce qui en faisait réellement un « réservoir d’images », voire pour les apprentis peintres d’histoire un répertoire de modèles de composition, plutôt qu’une simple édition illustrée3 : pas d’obstacle linguistique majeur, donc, hors le texte en italien des légendes (auquel était adjointe la traduction anglaise pour les éditions anglaises), à une diffusion internationale.
De ce fait, il semble bien que Gustave Doré se soit en partie inspiré non pas vraiment des compositions ni du style de Flaxman, que de ses choix iconographiques : quels passages représenter ? et de quelle manière ?
Ainsi, dans le chant X de L’Enfer, la rencontre entre Dante et Farinata jaillissant de son tombeau semble être l’occasion pour Doré (« Il me regarda un peu, et me demanda avec dédain : « Quels furent tes ancêtres ? ») de reprendre non seulement le même passage que Flaxman, mais aussi la même composition générale : le tombeau ouvert avec Farinata debout à gauche, Dante et Virgile debouts au pied de la tombe à droite, la fumée jaillissant du feu à l’intérieur de la sépulture… composition à laquelle Flaxman ajoute l’ombre de Cavalcante qui, quelques vers plus loin que ceux indiqués dans la légende, jaillit de la tombe aux côtés de Farinata pour converser avec Dante. Du point de vue narratif, l’image de Doré est plus conséquente que celle de Flaxman, ce dernier illustrant en réalité deux moments différents du poème dans une seule et même image. Et bien sûr, des détails iconographiques divergent, comme la grande pierre tombale oblique qui se trouve à la tête de la sépulture dans l’image de Doré, ou encore la posture des différentes figures – le Farinata de Flaxman ayant l’attitude agressive et hiératique, avec son voile et ses bras et cheveux dressés, d’un spectre de Füssli, alors que celui de Doré, les bras le long d’un corps tendu, ressemble davantage à un damné transi de douleur. Il reste qu’il n’est pas difficile d’imaginer que Doré se soit inspiré de la composition de Flaxman pour construire la sienne.
Il en est de même, au chant XVII, du moment où Dante et Virgile s’envolent sur le dos du monstre Géryon, allégorie de la Fraude. La description de Dante est suffisamment précise pour que, dans ses traits principaux, il ne soit pas nécessaire de juger indispensable le truchement de l’image de Flaxman dans la représentation de ce personnage par Doré:
« Elle avait face d’homme – et d’homme juste, si suave elle était à fleur de peau –, mais d’un serpent tout le reste du tronc ; pattes velues, fourrées jusqu’aux aisselles, et, sur ses flancs, son poitrail, son échine, peintures de rouelles, d’entrelacs4 ; »
On peut remarquer que le Géryon de Doré (« Alors ma douleur redoubla à l’aspect de l’abîme ») est globalement plus respectueux du texte de Dante que celui de Flaxman : le Français prend soin de représenter le caractère velu des membres antérieurs, alors que ceux du Géryon de Flaxman sont rigoureusement imberbes, et Doré interprète aussi les curieuses peintures de nœuds et de ronds sous la forme de grosses bosses d’écailles, alors que Flaxman, soucieux d’une sobriété du dessin optimale, ne prend pas la peine de représenter ce détail.
Toutefois, un détail absent du texte de Dante semble pouvoir signer l’emprunt de Doré à Flaxman : la barbe de Géryon, que rien dans la description de la « face d’homme juste » ne pouvait laisser présager. Les illustrations de la Renaissance – celle, anonyme, de l’édition florentine publiée par Filippo di Giunta en 1506, ou bien celle réalisée par Alessandro Velutello pour l’imprimeur Francesco Marcolini en 1544 – représentent bien Géryon avec une barbe, et il en est de même, même si cette barbe est moins fournie, du Géryon de l’artiste italien Francesco Fontebasso au XVIIIe siècle. Mais autant il est imaginable que Flaxman, durant son long séjour en Italie dans les années 1790, ait pu avoir accès à cette tradition iconographique5, autant il est improbable d’imaginer que Doré, qui n’a jamais véritablement voyagé en Italie, ait pu en avoir connaissance en consultant des gravures anciennes relativement rares.
Compte tenu de sa plus grande fidélité au texte de Dante, il est évident que Doré interprète le passage en relisant en parallèle le chant XVII, mais le détail de la barbe – comme du reste celui de l’absence de crochet venimeux au bout de la queue, commune aux deux gravures de Flaxman et Doré, crochet sur lequel insiste pourtant Dante à plusieurs reprises –, ainsi que la position écartée et tendue des deux pattes griffues du monstre, indiquent que Doré a certainement eu l’image de Flaxman sous les yeux. L’artiste français, bien sûr, la réinterprète à sa manière, et on passe d’une figure bidimensionnelle quasi héraldique inscrite dans un format horizontal où seules figurent quelques rares traces de nuées, à un monstre en plein vol (on notera au passage l’ajout des ailes membraneuses) inscrit dans un vertigineux paysage rocheux au format vertical. Ainsi, malgré de nettes divergences stylistiques voire esthétiques, on pourra certainement retrouver certains détails des compositions de Flaxman dans les images de Doré, et surtout une certaine continuité iconographique des moments illustrés, qui tend à montrer que l’illustrateur romantique doit, malgré tout, quelque chose à son prédécesseur néoclassique : bien plus en tout cas qu’à William Blake ou Henry Fuseli, dont les images dantesques, désormais célèbres mais non reproduites sous forme de gravures, étaient difficilement accessibles en France au milieu du XIXe siècle.
Notes
1 Émile Montégut, « Une interprétation pittoresque de Dante », Revue des deux mondes, vol. 36, no 2, 15 nov. 1861, p. 433-466.
2 David Irwin, John Flaxman, 1755-1826. Sculptor, Illustrator, Designer, Londres, Studio Vista, 1979, p. 94.
3 Il en était du reste de même des deux séries gravées de John Martin pour Paradise Lost, qui furent vendues de manière indépendante, sans le texte, parallèlement à leur diffusion sous forme de livres illustrés par l’éditeur Septimus Prowett. Voir Michael J. Campbell, John Martin, Visionary Printmaker, op. cit., p. 39. Bien entendu, il y eut aussi des éditions associant le texte de Dante et les images de Flaxman, comme celle par exemple publiée à Paris entre 1843 et 1846 associant la traduction française de Sébastien Rhéal et les images (sévèrement recadrées, et donc regravées pour l’occasion) de l’artiste anglais.
4 Dante, Oeuvres complètes, Paris, Librairie générale française, « La Pochothèque », L’Enfer, ch. XVII, v. 10-15, p. 664. La traduction est de Marc Scialom. La traduction utilisée par Doré (du moins celle utilisée dans l’édition qu’il illustre) donne : « Sa figure était celle d’un homme juste, tant son aspect était doux ; le reste de son corps était d’un serpent. Le monstre avait les bras velus jusqu’aux aisselles ; le dos, la poitrine et les flancs étaient peints de nœuds et de ronds. » (Dante, L’Enfer, trad. Pier-Angelo Fiorentino, Paris, Hachette, 1861, p. 84.
5 Au XVIe siècle, on retrouve un Géryon barbu sous le crayon de l’artiste flamand (actif en Italie) Jan Van der Straet. À l’époque romantique, l’Italien Bartolomeo Pinelli ou l’Autrichien Joseph Anton Koch, après Flaxman, le représentent barbu, alors que William Blake et Henry Fuseli, après Flaxman, le représentent imberbe.