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L’âge de l’enchantement

C’est le nom d’une exposition qui a eu lieu l’année dernière à la Dulwich Picture Gallery, à Londres, sur les livres illustrés merveilleux en Grande-Bretagne, entre 1890 et 1930.

Ce n’est pas la première exposition sur le sujet: je me souviens avoir consulté il y a longtemps (c’était lors de mon année de DEA à Trinity College Dublin, en 2002), le catalogue d’exposition de la Rhode Island School of Design (Providence), en 1979, établi par Diana L. Johnson et intitulé Fantastic Illustration and Design in Britain, 1850-1930. C’était il y a longtemps, mais c’était un pur bonheur: j’avais notamment découvert Sidney Sime, pu contempler les reproductions de décorations de piano de Burne-Jones, etc.

Ces expositions sont trop rares pour passer inaperçues… et voilà que je ne m’en aperçois que maintenant. Il est vrai qu’il y a déjà tant de choses à voir à Paris que je ne vais que rarement voir ce qui se passe de l’autre côté de la Manche. La Dulwich Picture Gallery est un musée consacré aux arts en deux dimensions dans lequel j’avais déjà eu l’occasion de voir la seule et unique exposition monographique sur Rackham ayant jamais eu lieu, à ma connaissance, dans une institution muséale. C’était en 2002 également.

Et voilà que Rodney Engen, le commissaire d’exposition de la précédente exposition sur Rackham, a remis le couvert, avec visiblement une splendide exposition qui juxtaposait les oeuvres d’Aubrey Beardsley, d’Edmund Dulac, de Sidney Sime, de Kay Nielsen, de Harry Clarke, d’Alastair, etc. La thématique semble très orientée “grotesque fin de siècle et jeux graphiques art nouveau”, plutôt que dessins mignons à la Beatrix Potter ou à la Charles Robinson, ce qui est un parti pris très intéressant, et plutôt hors des sentiers battus (au moins pour la mise en valeur de l’œuvre de Sidney Sime, Alastair, et Harry Clarke, qui restent toujours un peu dans l’ombre de Beardsley, et n’ont pas eu droit à beaucoup de publications).

On notera, sur la partie du site que la Dulwich Picture Gallery consacre à cette exposition de l’hiver dernier, une absence remarquable d’Arthur Rackham, qui pourtant n’aurait pas dépareillé aux côtés de Dulac et Nielsen. Quelle est la raison de cette absence, ou de cette mise entre parenthèses? J’en saurai plus quand j’aurai reçu le catalogue d’exposition, que j’ai rapidement commandé, n’ayant pas pu voir l’exposition proprement dite.

En attendant, on peut voir une partie de l’exposition avec quelques vidéos où le directeur de la Dulwich commente certaines oeuvres. C’est très drôle, de le voir dire de son air un peu gêné, ou flegmatique, c’est selon, que l’œuvre de Beardsley est “perverse“. Ses commentaires n’ont rien de très éclairant sur les œuvres (ça se voit que c’est le directeur du musée, et pas le commissaire de l’exposition), mais ils présentent bien l’exposition, qui avait l’air splendide.

Couvertures anglaises d’Harry Potter (children’s edition) – 3

Pour en finir avec cette série, vu que j’ai terminé de lire le dernier roman il y a une ou deux semaines… et que j’ai envie de terminer le commentaire des couvertures vu que je l’ai commencé (le début ici, le 2e épisode ).

Le 4e tome de la série représente la première épreuve de Harry lors du “Tournoi des trois sorciers” (Triwizard Tournament). La composition est de Giles Greenfield, un illustrateur jeunesse sans grand talent, mais qui a le mérite d’être efficace. Composition triangulaire (corps/queue/jet de flamme), avec une oblique forte, celle du corps du monstre, qui dynamise ainsi fortement l’ensemble. Preuve de la dynamique de la figure, une partie de son cou et de ses cornes outrepasse le cadre de l’image pour s’inscrire dans le bandeau supérieur de la couverture, celle où apparaît typographiquement le titre. Manière classique mais toujours pertinente d’insister sur le caractère dynamique d’une figure, ou sur son aspect “trop grand pour le cadre”, et donc impressionnant par rapport au petit Harry. On remarquera que les ailes du dragon sont à l’inverse coupées: on a véritablement l’impression que la bête a passé la tête sous le bandeau de titre, pour surgir dans l’espace du spectateur. Le ton est donné, on a affaire à un roman d’action… et c’est vrai qu’à partir de ce 4e tome, le ton est plus sérieux, on a affaire à du roman d’aventures plus qu’à du roman jeunesse (ou plutôt, on passe du roman jeunesse au roman d’aventures pour adolescent).

Les trois couvertures suivantes sont de Jason Cockcroft, un illustrateur jeunesse qui travaille régulièrement avec Bloomsbury, et qui de même que Greenfield n’a pas une imagination hors du commun. Ses autres réalisations sont bien mièvres… Je soupçonne Jason Cockcroft de ne pas avoir pris le temps de lire le 5e tome d’Harry Potter avant de l’illustrer: c’est la seule couverture qui n’ait aucun rapport avec le contenu narratif du livre. Certes, le phénix de Dumbledore (Fawkes si ma mémoire est bonne) doit bien apparaître à un ou deux moments, mais jamais importante narrativement parlant. Si cette illustration correspond bien au titre, elle ne représente donc pas un moment de l’histoire. Elle peut néanmoins être considérée comme une allégorie d’un événement majeur de la série, la résurrection de l’Ordre du Phénix: l’organisation secrète, qui existait avant la première défaite de Voldemort, se réorganise sous la direction de Dumbledore à partir (en gros) de la fin du 4e tome. L’envol du phénix en couverture symbolise, plus qu’il ne représente, le nouvel essor de l’organisation.

On remarquera au passage que Jason Cockcroft reprend ici le parti de représenter une créature volante, comme on en avait l’habitude depuis le 2e tome. Visiblement, le nec plus ultra du merveilleux selon les illustrateurs d’Harry Potter, c’est s’envoler… la vision du merveilleux ne semble pas avoir beaucoup changé depuis le Peter Pan de James Matthew Barrie. On remarquera le même dépassement du cadre de l’image que dans la couverture du tome précédent (et celle du 2e tome, incidemment), ici par le bout d’une aile de l’oiseau de feu. Jamais de dépassement de la bande inférieure: le but est de s’envoler, on vous dit.

On remarquera l’extrême laideur du personnage d’Harry Potter sur la couverture du 6e tome. C’est normal, me direz-vous, vu qu’il commence à devenir adolescent à ce moment de l’histoire, et que quand on a seize ans, en général on n’est pas gâté. Ceci dit, c’est peut-être aussi la frayeur d’être mangé par un revenant qui métamorphose son visage. Encore une fois une composition très dynamique, avec les courbes et contre-courbes de feu qui enveloppent les deux personnages, et qui sont coupées par le cadre du tableau, ce qui donne l’impression qu’elles continuent très loin autour d’eux. Un bel effet Sturm und Drang, donc, avec les cheveux des personnages qui s’en vont dans une direction différente de celle des flammes, pour accentuer encore, s’il en était besoin, le caractère centrifuge et dynamique de la composition.On a par ailleurs affaire à une débauche de couleurs saturées, avec du jaune, du bleu, de l’orange et du vert, ce qui donne un caractère criard qui ne s’arrangera pas avec la couverture du 7e tome.

Dernière couverture de Jason Cockcroft, et dernière de la série. Rien de bien neuf sous le soleil: on outrepasse la limite du bandeau supérieur, on adopte une composition très dynamique avec des lignes qui partent dans tous les sens, ainsi que des visages ridicules dans leur expressivité exagérée, et des couleurs saturées au possible. L’effet est on ne peut plus laid et criard, c’est véritablement l’aboutissement de la série du point de vue de la vulgarité et du tape-à-l’oeil.

Pourtant, une nouveauté intéressante, car il me semble signifiante: pour la première fois depuis le début de la série, on a affaire à une composition symétrique. Dans toutes les couvertures précédentes, on privilégiait une oblique plutôt que l’autre, alors qu’ici on a un cercle en position centrale (ou presque centrale, c’est je pense une question de découpage de l’image pour le montage de la couverture définitive) autour duquel s’organisent les trois figures… une en bas, une à gauche, une à droite. Pas de gros déséquilibre, malgré l’apparent chaos de la composition. Quelques pièces d’or voltigent en l’air, de chaque côté de l’entrée du caveau des Lestrange. On fera remarquer (si ma mémoire est bonne encore une fois, il faudrait peut-être vérifier) que J. K. Rowling, quand elle décrit la porte du caveau des Lestrange dans la banque de Gringotts, ne parle pas du tout d’un format rond, d’une entrée ronde.
Ceci semble être une invention de l’illustrateur, et même si après vérification du texte il s’avère que ce n’en est pas une, le choix de représenter cette porte ronde reste signifiant. Il signifie que c’est le dernier tome: l’histoire est finie, la boucle est bouclée, le tour de l’histoire a été parcouru, d’un bout à l’autre du cercle. Voldemort était mort (ou quasi-mort) au début du récit, il l’est définitivement à la fin: on a en quelque sorte un retour à la situation initiale, mais après un parcours houleux qui a amené de nombreuses morts, et un enfant à grandir. Fin d’une histoire à structure cyclique que vient par ailleurs souligner avec emphase (ou excès) le caractère symétrique de la composition, qui met un terme à la dissymétrie dynamique des autres couvertures. Il n’y aura pas de suite au 7e tome, le mouvement s’est “stabilisé”, il s’est équilibré sans s’être toutefois arrêté: la vie continue pour Harry Potter et ses amis après la fin du 7e tome.

Ainsi, les couvertures des premier et dernier tome, à défaut d’être belles, sont du moins composées avec intelligence, ce qui est plutôt bien, vu qu’elles ornent des endroits symboliques de l’histoire: son entrée et sa sortie. Les couvertures des tomes intermédiaires sont, du point de vue iconographique, de qualité beaucoup plus hétéroclite, avec notamment un intrus (composition allégorique du 5e tome), et un manque de cohérence dans la série qui est peut-être dû au nombre important d’illustrateurs qui y a travaillé (4 en tout).

Dans l’ensemble donc (ton péremptoire et magistral), cette série de couvertures est un désastre esthétique, mais une bonne – bien qu’irrégulière et très relative – réussite iconographique.

Les ombres du foyer

Le dernier numéro de La Grande Oreille vient de sortir. Le thème du dossier est le feu, et l’auteur de ce blog y a apporté une modeste contribution, sous la forme d’un article intitulé “Les ombres du foyer”.
Où l’on a essayé de montrer, à travers des illustrations de Cruikshank et de Rackham, ou bien encore la mise en scène de la série télévisée Monstres et Merveilles de Jim Henson (The Storyteller en v.o.), comment les artistes se sont emparé de la scène imaginaire de la veillée au coin du feu, pour élaborer un captivant spectacle d’ombres et de lumières.

Ci-dessous une illustration d’Arthur Rackham pour Rip van Winckle (1905 si ma mémoire est bonne).

Source: doc. pers.

D’autres articles de ce numéro ont bien sûr l’air passionnant, mais je n’ai pas encore eu le temps de les lire, je viens juste de recevoir mon exemplaire… un article sur Cendrillon et les vestales, un autre sur le souffle du dragon par Claude Lecouteux, une rapide synthèse sur la mythologie islandaise du feu par Régis Boyer, etc. Bonne lecture.

Couvertures anglaises d’Harry Potter (children’s edition) – 2

Le début ici.

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Je confirme après l’avoir terminé, la couverture anglaise du troisième tome n’a rien à voir avec une arrivée nocturne à Hogwart sur dos de griffon, c’est une scène du dénouement de l’histoire qui est représentée. C’est le même artiste, cliff wright, qui avait fait la couverture du deuxième tome, après que Thomas Taylor ait réalisé celle du premier.

Visiblement, d’après Wikipedia, Thomas Taylor est un jeune artiste à peine sorti de l’université quand il s’attelle à cette illustration, et le succès du livre aidant, Bloomsbury aurait préféré employer le talent d’un autre illustrateur plus chevronné, Cliff Wright, pour les volumes suivants. Cliff Wright aurait décidé de ne plus travailler avec la maison d’édition après le troisième tome, celle-ci ayant égaré l’original de la couverture de Harry Potter and The Prisoner of Azkaban.

Quoi qu’il en soit, on comprendra que Bloomsbury ait cessé de travailler avec Thomas Taylor, vue la qualité de sa prestation. On comprend moins pourquoi la maison d’édition a même commencé à travailler avec lui. Je trouve personnellement que la couverture du deuxième volume, avec ses bleus hideux et ses visages rosâtres, est encore plus laide que la première, qui conservait encore un caractère un peu “naïf”, avec ses étoiles schématiques et son trait ferme.

En tout cas, on observe une similarité de composition entre les deuxième et troisième volumes: même insistance sur la diagonale bas-gauche/haut-droit, avec à chaque fois un objet volant sur ou dans lequel Harry et l’un de ses meilleurs amis prennent place. Une impression d’élévation, donc, qui n’aurait pas fonctionné si l’illustrateur avait utilisé l’autre diagonale, et qui concorde bien avec l’atmosphère de merveilleux et d’optimisme qui imprègne les romans de J. K. Rowling.

La couverture du troisième volume est je trouve un peu plus réussie que la précédente (il n’y a pas de mal me direz-vous), grâce au fort impact visuel que donne la pleine lune dans le fond de l’image. Le griffon reste néanmoins peu convaincant (présence d’oreilles pour un monstre à tête d’oiseau?), alors qu’Harry et Hermione (qu’on voit à peine, ceci dit), sont un peu mieux réussis que dans la couverture précédente.

La fin à cet endroit.

Couvertures anglaises d’Harry Potter (children’s edition) – 1

Dans un des derniers billets, je me permettais de dire sans trop d’égards que je trouvais les couvertures anglaises d’Harry Potter pas belles du tout… Je maintiens mon opinion, quoique je trouve qu’avec le temps et l’évolution de la série elles s’améliorent. Les illustrateurs changent au fil de la série, ce qui ne joue pas en faveur de sa cohérence graphique, contrairement à l’édition française, par exemple, dont les sept tomes sont ornés de compositions de Jean-Claude Götting, comme Gilles nous le faisait remarquer il y a peu.

Si ces couvertures ne sont pas toutes très jolies, comparées à celles de Götting par exemple, elles sont néanmoins très intéressantes.

Le premier et le second tome représentent Harry Potter qui s’achemine vers Hogwart, la première année en train, la deuxième dans la voiture de la famille Weasley. Il est très intéressant de constater que le moment que l’illustrateur a choisi de représenter, à chaque fois, est celui dans lequel Harry passe du monde ordinaire au monde magique, à l’autre monde de Hogwart.

Choisir cet épisode précis de l’histoire n’est pas anodin: il permet de représenter, dans cet endroit symbolique qu’est la couverture du livre (la toute première page, qu’on doit tourner pour rentrer dans l’histoire), le passage du monde ordinaire au monde d’Hogwart (pour le personnage), le passage du monde réel à celui de la fiction (pour le lecteur).
L’identification du lecteur avec le héros est rendue d’autant plus sensible qu’il est invité, en couverture, à pénétrer de même que Harry Potter dans un monde fantastique où la magie est possible, etc.

Pour les illustrations des tomes suivants, j’aurais du mal à les commenter, vu que j’en suis encore au tout début du troisième tome… peut-être dans un prochain billet?

urlEn tout cas, force est de constater qu’il y a une nette évolution stylistique du premier au dernier tome, qui va de pair avec l’évolution du lectorat. D’un trait relativement schématique, assez épais dans le premier tome, pour un public assez jeune, on passe progressivement à une composition beaucoup plus détaillée, au trait plus fin dans les derniers livres de la série.

Les traits du héros évoluent également beaucoup d’un livre à l’autre. Pour le tome 1, Harry Potter est encore un peu sans âge, conséquence d’une assez importante schématisation des traits. Mais pour le tome 2, on a droit à la représentation d’un enfant de 12 ans, dont les traits s’affermissent dans le tome 3, et pour les tomes 6 et 7 on a un adolescent de 17-18 ans, à la machoire beaucoup plus carrée, et les épaules plus charpentées. Dans le tome 5 (ci-dessous), on n’a pas droit à Harry Potter sur la couverture… seul exemple dans la série. Y-a-t’il une raison à cela? J’en saurais peut-être un peu plus quand j’aurai terminé la saga.

L’incohérence graphique de la série cache donc une évolution stylistique qui accompagne le lecteur dans la maturation de l’oeuvre, du personnage principal, et dans son propre murissement. On a souvent fait la remarque que le style et les thématiques de l’oeuvre évoluaient avec le personnage et avec le lecteur, il est intéressant de constater que les illustrations en font de même. La boucle est bouclée.



Il est amusant de constater que le service postal britannique a fait de toutes ces couvertures de l’édition anglaise une série de timbres de collection, le 17 juillet 2007, en hommage au succès des livres.

urlSource: greatbritainstamps.net

Il ne reste plus à J. K. Rowling qu’à autoriser l’existence d’éditions véritablement illustrées (un très beau projet ici), et le tour des possibilités d’exploitation culturelle sera fait, après les films, les produits dérivés des films, etc.

La suite ici, et la fin à cet endroit.

Perrault au XIXe siècle

La prochaine séance du TIGRE (Texte et Image Groupe de Recherche à l’Ecole normale supérieure), samedi 15 décembre, est un passage obligé pour tous les amateurs de contes et d’illustrations du XIXe siècle.

Je ne pourrais malheureusement pas y aller (distance géographique oblige, je regrette vraiment), mais avis aux amateurs… et aux professionnels, vu qu’il s’agit quand même d’un séminaire de recherche, d’excellente tenue, soit dit en passant.

Débuts de la bande dessinée

J’ai lu récemment une excellente analyse d’un album de Gustave Doré (le célèbre illustrateur romantique), intitulé Dés-Agréments d’un voyage d’Agrément (1851), dans la revue électronique Textimage. C’est une amie, Susan Pickford (maintenant Maître de conférences à l’université de Paris-XIII), qui s’est chargée d’expliquer toutes les complexités narratologiques de cette proto-bande dessinée. Un peu théorique et jargonnant à mon goût, mais passionnant quand on s’intéresse aux rapports entre texte et image à l’époque romantique, ou de manière générale à l’histoire de la bande dessinée.

Le livre a été réédité récemment, avec une introduction d’Annie Renonciat, par une petite maison d’édition du Gers, Le Capucin, pour ceux que cela intéresse. Dans le même registre, son Histoire de la Sainte Russie est disponible à meilleur marché, et c’est tout aussi désopilant. Pour les parisiens, j’ai vu ce dernier ouvrage à pas cher, récemment, dans un Mona Lisait. Ci-dessous une image qui commente la manière ridicule dont le spectre de la désastreuse campagne militaire napoléonienne, en Russie en 1812, est agité devant des soldats français.

Soutenance

La date définitive de soutenance de ma thèse est arrêtée. C’est le vendredi 26 octobre, à 14h30, à l’INHA, à Paris, que je défendrais mon travail devant un jury composé de:
M. Paul-Louis Rinuy (mon directeur), Professeur d’Histoire de l’art à Paris VIII,
Mme Ségolène le Men, Professeur d’Histoire de l’art à Paris X et à l’Institut Universitaire de France,
M. Barthélémy Jobert, Professeur d’Histoire de l’art à l’université Paris IV,
M. Alain Bonnet, Maître de Conférences en Histoire de l’art à Nantes,
Mme Nicole Belmont, Directeur d’études d’Anthropologie à l’EHESS.

La soutenance est publique, cela veut dire que n’importe qui peut venir. Âmes impatientes s’abstenir, néanmoins, car la séance dure environ 4 heures. Pour se rendre à l’INHA, voir sur leur site.

Le sujet de ma thèse est:

L’illustration victorienne des Contes de Grimm:


George Cruikshank,


Richard Doyle,

Walter Crane,

Arthur Rackham.

Images: doc. pers.

La reine des abeilles

Ça y est, j’ai envoyé ma thèse à l’université, il ne me reste plus qu’à envoyer le reste aux membres du jury, et à attendre sagement avant de préparer la soutenance. Comme je suis content, je fais profiter tout le monde de mon travail, et vous présente les deux illustrations que j’ai mises en page de titre.
En tête du premier volume une illustration pour “The Queen Bee” de Walter Crane, 1882:

Source: doc. pers.

Et en tête du second volume, exactement le même passage du même conte par Arthur Rackham, en 1900:

Source: doc. pers.

Ce qui m’a plu dans ces deux illustrations, c’était leur évidente parenté. Rackham s’est visiblement inspiré de Crane en adoptant la forme circulaire du médaillon (les deux illustrations sont en cul-de-lampe, placées à la fin du conte). Et puis indépendamment, elles sont toutes les deux très belles, je trouve.
The Queen Bee” est la traduction anglaise du conte de Grimm n°62, connu en traduction française sous le nom de “La reine des abeilles”. Le passage représenté constitue la troisième épreuve du héros, après laquelle le chateau sera désenchanté:

“Mais la troisième épreuve était la plus difficile, car il s’agissait de désigner, entre les trois princesses endormies, toutes trois filles du roi, la plus jeune et la plus jolie. Or, elles se ressemblaient absolument, et la seule différence qu’il y avait entre elles était le genre de sucrerie qu’elles avaient mangé juste avant de s’endormir: l’aînée avait mangé un morceau de sucre candi, la seconde avait goûté un peu de sirop, et la cadette avait mangé une cuillérée de miel. Ce fut la reine des abeilles que le Benêt avait sauvées du feu, qui arriva à son secours; elle goûta aux lèvres de chacune des trois princesses et se posa sur la bouche de celle qui avait mangé du miel, permettant ainsi au jeune prince de désigner celle des trois qui était la cadette.” (Traduction Armel Guerne)

Cette évocation de princesses endormies, qui de plus se ressemblent comme trois gouttes d’eau, ne pouvait que plaire aux deux artistes anglais, tous deux férus d’art préraphaélite, et notamment de celui de Burne-Jones qui est obsédé par l’imagerie des belles endormies et par la répétition à l’identique des mêmes visages féminins. Ici “The Briar Bower” (tiré de Grimm), par Burne-Jones, une huile sur toile de 1886-1890:

800px-Edward_Coley_Burne-Jones,_The_Sleeping_Beauty_from_the_small_Briar_Rose_series,_Museo_de_Arte_de_Ponce

Source: Wikimedia.

En ce qui me concerne, j’ai choisi également ces deux compositions parce qu’elles renvoient à l’abeille, et que l’abeille est, notamment dans l’antiquité gréco-romaine, symbole d’éloquence, de poésie et d’intelligence. Une abeille vient selon la légende se poser sur les lèvres des grands poètes (Pindare) ou des grands philosophes (Platon). Si une abeille vient se poser sur les lèvres de la cadette, c’est donc certainement pour en faire une porteuse de bonne parole. J’interprète du coup ces trois princesses endormies comme des muses, dont l’éveil est nécessaire afin que le Benêt puisse accéder à l’intelligence et à la parole. Et mieux vaut acquérir une parole de miel qu’une parole sucrée ou sirupeuse…
Intelligence, poésie, éloquence, toutes qualités dont j’aurais personnellement besoin lors de ma soutenance, en espérant que ces trois muses deux fois inscrites en mon(ma) mémoire puissent m’apporter leur appui.

Le conte du genévrier

Walter Crane, xylographie pour The Almond Tree, dans Household Stories, Macmillan, 1882.
Source : doc. pers.

Encore une illustration de Walter Crane pour les contes de Grimm (1882, xylographie). C’est une illustration pour le conte du genévrier (traduction anglaise de l’époque: The Almond Tree), qui est très intéressante dans la mesure où elle retravaille l’imagerie des annonciations de la Renaissance, comme ce Léonard de Vinci (Musée des Offices, 1473-1475).

Leonardo_da_Vinci_-_Annunciazione_-_Google_Art_Project

Source: Wikimedia.

Ou bien encore ce panneau de prédelle attribué à Lorenzo di Credi (Louvre, 1475-1478):

Lorenzo_di_credi_o_leonardo,_annunciazione_00

Source: Wikimedia.

On retrouve la même organisation spatiale, avec deux personnages, une façade à droite représentant l’espace domestique, et un muret séparant les figures du paysage.

Je résume rapidement le conte pour ceux qui ne connaissent pas, et pour montrer que l’illustration de Crane n’est pas seulement un hommage à l’art de la Renaissance, mais en constitue également une réinterprétation.

***

Une femme en mal d’enfant se languit en dessous d’un genévrier en hiver, et s’entaille le doigt en coupant une pomme pour la manger. Des gouttes de sang tombent sur la neige, et la femme souhaite un enfant qui soit aussi blanc que la neige, et aussi rouge que le sang.

Son vœu ne tarde pas à être exaucé, et elle met au monde un fils, et meurt. Son mari l’enterre sous le genévrier, et finit par retrouver femme. La belle-mère, elle-même mère d’une jeune fille, et jalouse de son beau-fils, le tue en le décapitant avec le couvercle d’un coffre, alors que l’enfant se penchait pour attraper une pomme. La tête du fils se retrouve dans le coffre au milieu des pommes rouges. La belle-mère, pour dissimuler son meurtre, prépare le fils en ragoût à la sauce brune, et le sert au père quand celui-ci rentre. Celui-ci mange son fils, les os sont récupérés et enterrés par la sœur sous le genévrier.

Un oiseau de feu s’envole alors de l’arbre, et parcourt la ville en chantant. Grâce à son chant, il recueille une chaînette d’or auprès de l’orfèvre, une paire de souliers rouges auprès du cordonnier, et une meule de pierre auprès de vingt garçons meuniers. L’oiseau, de retour au foyer, fait tomber la chaînette en or autour du cou du père, les souliers rouges aux pieds de la sœur, et la meule de pierre sur la tête de la méchante belle-mère, qui meurt.

S’ensuit la résurrection de l’enfant, qui vit heureux au milieu de sa famille reconstituée, à l’abri de la méchanceté de la mauvaise mère.

***

Walter Crane choisit de représenter le moment de la naissance de l’oiseau, qui n’est bien évidemment pas autre chose que l’émanation de l’âme de l’enfant enterré sous le genévrier (dans cette version anglaise un amandier).

On remarquera que dans les annonciations de la Renaissance, l’ange Gabriel arrive vers Marie pour lui annoncer le miracle de la naissance du Christ. Ici, l’oiseau au contraire s’éloigne de la figure féminine agenouillée. On a donc affaire ici à une annonciation, certes, mais inversée: il ne s’agit plus d’annoncer la naissance d’un enfant, mais au contraire sa mort. C’est pour cela que l’oiseau ne se rapproche pas de la figure féminine, mais s’en éloigne.

Par ailleurs, dans le conte, cette scène de l’envol de l’oiseau est l’annonce de la résurrection de l’enfant. Le parti pris de Walter Crane d’un écho plastique à la tradition picturale de représentation d’une scène du Nouveau Testament doit nous rappeler un autre passage de la vie du Christ: celui de sa résurrection, trois jours après sa mort.

Tiens donc! Ce chiffre de trois rappelle bizarrement un autre épisode du conte du genévrier, celui dans lequel l’oiseau va chanter trois fois une chanson, d’abord à l’orfèvre, ensuite au cordonnier, enfin aux vingt meuniers, juste avant de ressusciter…

Walter Crane, comme par hasard, reprend les trois épreuves de l’oiseau autour de son annonciation inversée, à l’intérieur des médaillons d’angle, à l’intérieur desquels on retrouve le collier offert par l’orfèvre (en haut à droite), les souliers offerts par le cordonnier (en bas à gauche), et la meule offerte par les meuniers (en bas à droite). Le dernier médaillon (en haut à gauche, vers lequel se dirige l’oiseau) représente une pomme, allusion à la fois à la naissance de l’enfant du conte (la mère répand son sang sur la neige en coupant une pomme), à sa mort (la tête du fils roule dans le coffre parmi les pommes rouges), et, bien sûr, à la Bible, dans lequel la fameuse pomme (du moins dans la tradition chrétienne) symbolise le péché originel, que vient justement racheter le Christ par sa mort.

Alors en définitive, cette gravure illustre-t-elle un conte de fées ou bien la vie du Christ? C’est ce genre de questions que je me pose, de temps en temps, en rédigeant ma thèse… Et je suis en tout cas heureux de constater que l’illustration, loin d’être un “art mineur”, réserve encore plein de surprises pour ses exégètes.

624px-Sandro_Botticelli_080Source: Wikimedia.

Alors on se prend à rêver un peu quand, par la suite, dans d’autres annonciations de la Renaissance (Boticcelli, Musée des Offices, 1489-1490), on remarque au loin, en arrière-plan, un arbre seul, verticalement planté au-dessus de l’ange et au beau milieu du paysage: du coup cet arbre nous rappelle beaucoup un certain amandier/genévrier, avatar parmi d’autres, avec la Croix christique, de l’Arbre de vie.

Première publication

Je suis content: en rentrant de Paris j’ai trouvé sur mon bureau ma première publication, qui vient de sortir dans le n°5 de la revue Recherches en Histoire de l’art.

Et ce qui m’a fait plaisir, c’est que l’illustration de couverture est un détail d’une illustration de mon article (elle-même une illustration pour The Frog Prince, un conte de Grimm)! Comme quoi Walter Crane peut toujours plaire…
Pour information, mon article s’intitule “Les livres illustrés de Walter Crane: essai de typologie”.